Découvrez le monde et apprenez comment ils aident les musiciens à transmettre des émotions, des rythmes et des harmonies. De la notation sur la portée à la dynamique et à l’expression, ce guide décompose les différents symboles utilisés en musique.
Symboles de notation musicale
Les symboles de notation musicale sont le fondement de la musique écrite. Ils fournissent la représentation visuelle du son, permettant aux musiciens de lire, comprendre et jouer de la musique. Dans cette section, nous plongerons dans le monde des symboles de notation musicale, en explorant les bases de la notation sur portée et des symboles de hauteur.
Notation de portée
La notation
Staff est le système de lignes et d’espaces sur lequel les notes sont écrites. C’est le cadre visuel que les musiciens utilisent pour lire et jouer de la musique. Imaginez une feuille de route pour vos doigts, les guidant à travers le rythme et la mélodie d’un morceau. La portée se compose de cinq lignes et de quatre espaces, chacun avec son propre son et son propre nom de lettre.
Par exemple, les lignes de la portée représentent les sons suivants : E, G, B, D et F, tandis que les espaces représentent les sons F, A, C et E. Ce motif de lignes et d’espaces est répété sur toute la portée. , fournissant un cadre permettant aux musiciens de lire et de jouer de la musique. Au fur et à mesure que vous vous familiariserez avec la notation sur la portée, vous commencerez à remarquer comment différents rythmes et lignes mélodiques sont représentés par différentes combinaisons de notes sur la portée.
Symboles de hauteur
Les symboles de hauteur, également appelés têtes de notes, sont utilisés pour représenter la hauteur d’un son. Ces symboles peuvent prendre différentes formes selon selon le contexte, comme des têtes de notes ouvertes ou fermées, des hampes et des drapeaux. Les têtes de notes ouvertes représentent une blanche ou plus, tandis que les têtes de notes fermées représentent une noire ou moins. Les STEM déterminent la direction de la hampe de la note, qu’elle pointe vers le haut, vers le bas ou courbée.
Des drapeaux apparaissent sur les notes pour indiquer des durées plus courtes. Par exemple, une note avec un drapeau à droite est une note pointée, tandis qu’une note avec un drapeau à gauche est une note avec une impulsion ajoutée. Les liens et les liaisons relient les notes entre elles, indiquant qu’elles doivent être jouées en douceur, sans interruption. En résumé, les symboles de hauteur sont des éléments essentiels de la notation musicale, nous fournissant les repères visuels nécessaires pour comprendre et jouer la musique avec précision et exactitude.
Symboles rythmiques
En matière de notation musicale, les symboles rythmiques sont les héros méconnus qui nous aident à comprendre le timing et le déroulement de nos compositions. Sans ces symboles, la musique serait un fouillis de notes et de silences, nous laissant nous demander quoi jouer et quand le jouer. Dans cette section, nous plongerons dans le monde des symboles rythmiques, en explorant les différents types et comment ils fonctionnent ensemble pour créer le rythme que nous connaissons et aimons.
Longueur de la note
L’un des symboles rythmiques les plus fondamentaux est la longueur de la note. Les notes peuvent être longues ou courtes, et la durée d’une note détermine la durée pendant laquelle elle est jouée. En notation musicale, la longueur des notes est généralement indiquée par une combinaison de la tête et de la hampe de la note. Par exemple, une note entière a une tête en cercle ouvert et une hampe qui descend jusqu’à la portée, tandis qu’une noire a une tête en cercle fermé et une hampe plus courte et pointe vers la droite. La longueur de la note est également influencée par la clé. et la signature rythmique de la musique, il est donc important de prêter également attention à ces symboles.
Symboles de repos
Alors que les notes sont ce qui donne à la musique sa saveur mélodique, les silences sont ce qui lui donnent son pouls rythmique. Les repos sont des symboles qui indiquent le silence, et ils se présentent sous différentes formes et tailles pour indiquer différentes durées de repos. Un repos entier, par exemple, ressemble à un ovale creux avec une tige, tandis qu’un quart de repos est un ovale plus court et solide avec une tige. Les symboles de silence peuvent également être combinés avec des symboles de note pour créer des rythmes plus complexes, comme une note suivie d’un silence. Ceci est particulièrement important dans les musiques qui nécessitent un sens aigu du rythme, comme le jazz ou le rock.
Crescendo (The Hush, Hush Saga)Marques d’articulation
Les marques d’articulation sont utilisées pour indiquer comment les notes sont jouées, par exemple fortes ou douces, courtes ou longues, ou avec une attaque spécifique. Ces marques sont placées au début d’une note ou d’un silence et peuvent avoir un impact important sur le son global de la musique. Il existe de nombreux types de marques d’articulation, notamment les dynamiques, telles que f (forte) ou piano (p), et les articulations, telles que legato (doux) ou staccato (court et détaché). Les marques d’articulation sont particulièrement importantes dans les musiques qui nécessitent des nuances et du contrôle, comme le classique ou le jazz.
Dynamique et expression
En matière de notation musicale, la compréhension de la dynamique et de l’expression est cruciale pour transmettre les émotions et les sentiments voulus par le compositeur. Dans cette section, nous explorerons les différents symboles et marquages que les musiciens utilisent pour indiquer le volume, la douceur et l’intensité d’un morceau.
Marquages forts et doux
L’un des marquages dynamiques les plus fondamentaux sont les symboles d’intensité et de douceur. Vous verrez généralement ces marques sous la forme d’un « f » pour forte (fort) et d’un « p » pour piano (doux). Les indications de fort indiquent que la musique doit être jouée avec une force accrue, tandis que les indications de piano indiquent une réduction du volume. Par exemple, un « ff » peut indiquer un passage très fort, tandis qu’un « pp » peut indiquer un passage très doux.
Mais comment déterminer le niveau exact d’intensité ou de douceur ? C’est là que les marquages dynamiques entrent en jeu. Une notation typique pourrait ressembler à ceci :
ff > f > mf > m > mp > p > pp
Ce tableau montre la plage des marquages dynamiques, du plus fort (ff) au plus doux (pp). Les musiciens utilisent ces marquages comme guide pour ajuster leur volume de jeu en conséquence.
Crescendo et Decrescendo
En plus du volume et de la douceur, il existe deux autres marquages dynamiques importants : crescendo et decrescendo. Un crescendo indique une augmentation progressive du volume, tandis qu’un decrescendo indique une diminution progressive. Ces marques sont souvent utilisées pour ajouter du drame et du contraste à une pièce.
Par exemple, un marquage crescendo pourrait ressembler à ceci : cresc. > ff
Cette notation indique que la musique doit commencer doucement, mais devenir progressivement plus forte jusqu’à atteindre le volume le plus fort possible. À l’inverse, un marquage decrescendo pourrait ressembler à ceci : decresc. > pp
Cette notation indique que la musique doit commencer fort, mais devenir progressivement plus douce jusqu’à atteindre le volume le plus doux possible.
Marques d’expression
Enfin, il existe quelques autres marques d’expression que les musiciens peuvent utiliser pour transmettre plus de nuances et d’émotions. Ces marquages peuvent être considérés comme la « cerise sur le gâteau » des marquages dynamiques. Par exemple, des inscriptions telles que « sforzando » (sfz) ou « fermata » (fer.) peuvent ajouter un niveau d’emphase ou de drame à une pièce.
Dans la section suivante, nous explorerons davantage l’articulation et le toucher, y compris la manière dont les musiciens utilisent leurs doigts et leur bouche pour créer différents sons. Mais pour l’instant, concentrons-nous sur les bases de la dynamique et de l’expression.
Articulation et toucher
Les musiciens s’efforcent de transmettre des émotions et des expressions à travers leurs performances, mais vous êtes-vous déjà demandé comment ils y parviennent ? L’un des moyens clés passe par l’articulation et le toucher. Dans cette section, nous plongerons dans le monde du legato et du staccato, du toucher et de l’attaque, ainsi que du mordant et de l’appogiature.
Legato et Staccato
Imaginez jouer une mélodie sur un piano, chaque note s’enchaînant doucement avec la suivante. C’est legato – une touche douce et connectée. En revanche, le staccato est une touche courte et détachée, où chaque note est séparée par une légère pause. Le legato est souvent utilisé dans des morceaux lents et contemplatifs, tandis que le staccato est souvent utilisé dans des morceaux plus rapides et plus énergiques. Considérez le legato comme un murmure doux et le staccato comme un discours composé de phrases courtes et coupées.
Toucher et Attaque
La façon dont nous touchons les touches ou les cordes peut grandement affecter le son que nous produisons. Un toucher doux peut produire un son doux et délicat, tandis qu’un toucher plus ferme peut produire un son plus fort et plus puissant. L’attaque – la façon dont nous commençons à jouer une note – peut également modifier le son. Une attaque lente et douce peut créer un son chaud et doux, tandis qu’une attaque rapide et nette peut créer un son brillant et perçant. Pensez-y comme si vous teniez une plume ou une brique : la façon dont vous la tenez affecte la sensation et le son.
Mordent et Appogiatura
Un mordant est un petit embellissement où une note est jouée rapidement avant de revenir à la hauteur originale. C’est comme une petite danse, où la note monte puis retombe. Une appogiature est une note dissonante qui est jouée puis se transforme rapidement en note consonne. C’est comme un petit soupir ou un souffle coupé. Ces deux ornements ajoutent une touche d’expressivité et d’émotion à une pièce et peuvent être utilisés à bon escient dans une variété de styles musicaux.
Barres et marques de répétition
Vous êtes-vous déjà demandé comment les musiciens naviguent dans des chansons complexes avec plusieurs sections et répétitions ? Tout se résume à l’utilisation intelligente des lignes de mesure et des marques de répétition dans la notation musicale. Dans cette section, nous plongerons dans le monde des lignes de mesure, des numéros de mesure, des répétitions et des marques da capo, segno et coda. Ces symboles spéciaux aident les musiciens et les compositeurs à suivre la structure de la musique et à garantir une interprétation fluide.
Lignes de mesure et numéros de mesure
Les lignes de mesure divisent la portée en mesures, ce qui facilite la lecture et la compréhension de la musique. Mais quel est l’intérêt d’avoir des lignes de mesure si nous ne pouvons pas savoir où nous en sommes ? C’est là que les numéros de mesure entrent en jeu. Les numéros de mesure, également appelés numéros de mesure, indiquent le début d’une nouvelle mesure et donnent une impression de progression et de mouvement vers l’avant. Considérez les numéros de mesure comme des repères kilométriques sur une autoroute, vous aidant à garder le cap et à éviter de vous perdre dans le voyage musical.
Repeat et Da Capo
Les marques de répétition sont utilisées pour indiquer qu’une section de musique doit être répétée. Mais que se passe-t-il lorsque nous devons répéter une section plusieurs fois ou ajouter du matériel supplémentaire en cours de route ? C’est là qu’interviennent da capo, segno et coda. Da cappo signifie en italien « du head », et cela indique que la musique doit revenir au début du morceau ou de la section précédente et répéter à partir de là. Segno (ou « signe ») est un symbole indiquant que la musique doit revenir à un point spécifique du morceau et reprendre la lecture à partir de là. Coda, qui signifie « queue » en italien, est une section de musique qui se termine à la fin d’un morceau, généralement avec un éclat ou une déclaration finale. Ces marques spéciales permettent aux musiciens de naviguer dans des structures musicales complexes avec facilité et précision.
Segno et Coda
Alors, quelle est la différence entre segno et coda ? Alors que les deux marques indiquent un retour à un point spécifique de la musique, le segno indique généralement un retour à une section ou un point spécifique du morceau, tandis que la coda signale généralement la fin du morceau ou une touche finale. Considérez le segno comme une ancre, maintenant le musicien en place avant de passer à la section suivante, tandis que la coda est comme la grande finale, clôturant le morceau en beauté.
En comprenant l’utilisation intelligente des lignes de mesure, des numéros de mesure, des marques de reprise et du da capo, segno et coda, les musiciens et les compositeurs peuvent créer une musique complexe et dynamique qui emmène les auditeurs dans un voyage. Nous explorerons ensuite le monde des symboles de notation musicale, en nous plongeant dans les subtilités de la hauteur, du rythme et de la dynamique.
Symboles spéciaux
Dans le monde de la notation musicale, il existe plusieurs symboles spéciaux que les musiciens utilisent pour transmettre des instructions spécifiques ou pour ajouter de la saveur à un morceau musical. Ces symboles peuvent être aussi subtils qu’un clin d’œil ou aussi dramatiques qu’une grande fioriture. Dans cette section, nous explorerons trois de ces symboles spéciaux : Anacrusis et Pickup Notes, Fermata et Pause, et Caesura et Dashed Line.
Anacrusis et notes de ramassage
Vous êtes-vous déjà demandé à quoi correspondait ce petit rythme « irrégulier » au début d’un morceau de musique ? C’est ce qu’on appelle une anacrouse, un terme qui vient du grec ancien et signifie « un mouvement avant le mouvement ». En musique, il fait référence à une note ou à une série de notes qui précèdent le rythme principal du morceau. Une anacrose est souvent utilisée pour créer un sentiment de tension ou d’anticipation avant que la musique ne démarre vraiment.
Anacrusis est étroitement lié aux notes de reprise, qui sont des notes jouées avant le temps principal d’une mesure. Les notes de reprise sont comme un petit exercice d’échauffement pour le musicien, lui permettant de se mettre au rythme de la musique avant le début de l’événement principal. Pensez-y comme si vous faisiez quelques swings d’entraînement avant de vous lancer pour de vrai dans un match de baseball : cela aide à obtenir la sensation et le timing parfaits.
Fermata et Pause
Un point d’orgue est un symbole musical qui ressemble à un petit cercle ouvert () placé au-dessus ou en dessous d’une note ou d’un silence. C’est comme un bouton « pause », indiquant au musicien de s’attarder sur cette note ou de se reposer un peu plus longtemps que d’habitude. Fermata est souvent utilisé pour ajouter du drame ou de l’emphase à un moment particulier de la musique, créant ainsi un sentiment d’anticipation ou de libération.
Les pauses sont une partie essentielle de la musique, permettant au musicien de se reposer et de se ressourcer avant de se replonger dans la musique. Une pause bien placée peut ajouter de la texture et de l’intérêt à une pièce, créant une sensation de tension et de relâchement. C’est comme prendre une profonde inspiration avant de partir pour une longue course : cela aide à ce que tout se passe bien !
Césure et ligne pointillée
Une césure est un symbole musical qui ressemble à un petit trait vertical () placé au-dessus ou en dessous d’une note ou d’un silence. C’est comme un bouton « pause » ou « pause », indiquant au musicien de s’arrêter un instant avant de continuer. La césure est souvent utilisée pour créer un sentiment de drame ou de surprise dans un morceau de musique, perturbant le flux normal du rythme et créant un sentiment d’incertitude.
Caesura est étroitement lié aux lignes pointillées, qui sont utilisées pour séparer différentes sections ou thèmes au sein d’un morceau de musique. Les lignes pointillées sont comme de petits « sauts de chapitre » dans une histoire, permettant au musicien de séparer différentes idées ou ambiances avant de passer à la suivante. En utilisant efficacement la césure et les lignes pointillées, les musiciens peuvent créer un sentiment de structure et d’organisation au sein d’une pièce, guidant l’auditeur à travers la musique comme un narrateur guide le lecteur à travers une histoire.
